Les 6 histoires de Marvel Comics les plus sous-estimées de tous les temps

Les 6 histoires de Marvel Comics les plus sous-estimées de tous les temps

Marvel Comics a été construit sur de longues histoires. C'est ainsi depuis le tout début, quand l'univers a été construit, numéro par numéro, autour des 102 épisodes de Fantastic Four de Stan Lee et Jack Kirby. Cela a ouvert la voie à un univers qui ressemblait à un ensemble cohérent et a encouragé un lectorat qui a suivi les créateurs autant que les personnages pour la première fois dans les bandes dessinées de super-héros. Les sagas opératiques de feuilleton en cours, entrelacées de Marvel, le distinguent de sa concurrence distinguée, qui était, et est sans doute toujours, construite davantage autour d'histoires individuelles.

Et qu'en est-il des sagas elles-mêmes? Mélangé avec des classiques comme les 17 ans de Chris Claremont sur X-Men, ou des pistes modernes comme Dan Slott passant une décennie sur Spider-Man, il y a beaucoup de longs runs qui n'obtiennent pas le crédit qu'ils méritent. Qu'elles soient éclipsées par des séries plus célèbres sur le même titre, négligées pour être démodées, ou perdues à cause du temps et des boîtes en dollars parce qu'elles ne peuvent jamais être réimprimées, ce sont toujours des piliers sur lesquels l'univers est construit.

Si vous êtes submergé par des listes de séries plus courtes à lire et que vous voulez simplement vous installer avec un fil épique, voici six longs parcours Marvel pour plonger.
Captain America de Mark Gruenwald
  
    
    
      
        
    
  
  
    
      
      
        Image: Mike Zeck, Klaus Janson / Marvel Comics
      
    
  
Captain America # 307 – 443, juillet 1985 – septembre 1995
Collaborateurs notables: Paul Neary, Kieron Dwyer, Mark Bright
Dans toute autre entreprise, et à toute autre époque, la course de dix ans de Mark Gruenwald comme écrivain de Captain America se démarquerait comme la réalisation remarquable qu'elle est. Malheureusement, dans une décennie pleine de pistes brillantes, il a toujours été éclipsé par ses contemporains les plus révolutionnaires. Ces jours-ci, il semble qu'on se souvienne surtout de lui, et pas tant que ça, pour des trucs comme l'histoire où Cap devient un loup-garou pendant une minute chaude, ou les problèmes où il porte son costume d'armure de combat maladroite.
Voici le truc, cependant: ce truc règne, en fait. Il ne fait aucun doute que Gruenwald et l'artiste Rik Levins étaient à 100% dans la blague de Capwolf – à un moment donné, Cap prononce l'un de ses grands discours pour rassembler un groupe de loups-garous, mais, parce qu'il est à moitié border collie à l'époque, il sort le plus souvent sous forme de grognement et le mot «liberté», qui est hilarant. Et ces problèmes avec l'armure de combat des années 90 de Cap? Cela marque la fin de la course de Gruenwald où Cap fait face à sa propre mortalité, a un cœur à cœur avec Batroc the Leaper parce que Batroc remarque que son ancien partenaire d'entraînement est déprimé, et affirme que son épitaphe devrait être «Il n'a pas fait assez. "
Toute la course est pleine de choses comme ça, où une prémisse trompeuse cache quelque chose de plus profond et de plus gratifiant. C'est la course qui a opposé Captain America à des super-vilains qui se sont organisés en société et ont donné au Red Skull sa propre armée privée sous la forme de Crossbones et du Skeleton Crew. C'est la course où Steve Rogers a été forcé de quitter son identité, et où nous avons vu la rupture de John Walker, provoquée par une scène qui est scandaleusement violente par rapport aux normes de 1988 et d'aujourd'hui. C'est une pure aventure de super-héros qui n'a jamais vraiment perdu ce qui le rendait formidable à son apogée. De plus, Diamondback est le meilleur intérêt amoureux de Cap pour une promenade. Ne me @ pas.
Daredevil d'Ann Nocenti
  
    
    
      
        
    
  
  
    
      
      
        Image: John Romita Jr., Al Williamson / Marvel Comics
      
    
  
Daredevil # 236 – 291, novembre 1986 – avril 1991
Collaborateurs notables: John Romita Jr., Barry Windsor-Smith, Kieron Dwyer
Décrire les meilleurs problèmes de la course d'Ann Nocenti sur Daredevil semble parfois que vous parlez d'un rêve que vous avez fait dont vous ne vous souvenez pas très bien. Il y a celui où Daredevil combat un aspirateur possédé par un démon (# 262), ou celui où Ultron construit une montagne de ses propres crânes et s'assoit dessus en contemplant sa propre existence jusqu'à ce que Daredevil s'écrase sur lui avec une camionnette et le bat à mort avec un bâton et aussi les Inhumains sont là (# 276). Ou, mon préféré, celui où Bullseye se déguise en Daredevil donc Daredevil se déguise en Bullseye et puis ils se battent les uns contre les autres et Bullseye / Daredevil a une panne parce qu'il se rend compte que Daredevil bat toujours Bullseye, alors il (Bullseye) ne peut pas battre Daredevil, même s'il est Daredevil et Daredevil est Bullseye (# 290).
C'est une course folle, mais c'est ce qui est génial. Chacun de ces problèmes décrits ci-dessus est, à la base, une histoire sur la violence et ses échecs, racontée à travers le genre de drame intensifié pour lequel les super-héros sont construits. Nocenti appelait autrefois les scènes de combat «des tumeurs dans le scénario», et sa course les traite comme des choses qui n'arrivent que lorsque tout est en panne. C'est une histoire de contrastes et de la façon dont il y a toujours un conflit entre eux, qui s'incarne dans la création la plus connue de Nocenti aux côtés de John Romita Jr., Typhoid Mary.
J'irais jusqu'à dire que la course de Nocenti a une forte prétention à être la meilleure course de Daredevil de tous les temps, et oui, cela inclut celles auxquelles vous pensez. Même avec quelques prétendants puissants qui plongent profondément dans la tragédie et la psychologie derrière l'alter ego justicier de Matt Murdock, rares sont ceux qui le font avec ce genre de réflexion philosophique. De plus, à ma connaissance, c'est l'une des deux seules histoires de super-héros où quelqu'un combat un aspirateur, et l'autre est un épisode de Sailor Moon.
Dracula de Gene Colan et Marv Wolfman
  
    
    
      
        
    
  
  
    
      
      
        Image: Gene Colan, Tom Palmer / Marvel Comics
      
    
  
Tombe de Dracula # 1-70, (avril 1972 – août 1979)
La grande chose à propos de Dracula est qu'il est dans le domaine public depuis 120 ans, ce qui signifie que n'importe qui peut faire sa version du personnage. La mauvaise chose est que tout le monde l'a fait, donc si vous voulez en créer un qui résiste à l'épreuve du temps, vous devez faire quelque chose de spécial.
Pour Marvel, ce «quelque chose de spécial» mettait Gene Colan sur leur version, Tomb of Dracula, environ quatre secondes après que le code de la bande dessinée ait desserré son emprise sur le surnaturel au début des années 70, puis jetant le seigneur des vampires la tête la première dans un monde plein de super-héros. Colan donnerait à Drac l'un de ses meilleurs looks dans l'intégralité de la culture pop et resterait sur le livre pendant toute sa durée. Après son arrivée en # 7, Marv Wolfman resterait également pour les 63 prochains numéros, et à ce moment-là, ils ont fourni l'exemple définitif de la façon de faire fonctionner Dracula – une Draculadaptation, si vous voulez -.
La prémisse initiale était que le livre suivrait un groupe de chasseurs de vampires CW-esque qui poursuivaient Dracula, mais Colan et Wolfman ont rapidement réalisé le problème avec cela: La personne debout à côté de Dracula est rarement aussi intéressante que Dracula lui-même. Pour la plupart de la course, Dracula est le protagoniste, et plutôt que de le garder confiné dans un coin de l'univers sur le thème de l'horreur, Colan et Wolfman ont saisi l'occasion. Comme, le mec combat le Silver Surfer en # 50, et c'est la deuxième chose la plus Marvel Comics que vous puissiez faire.
À travers tout cela, les crayons somptueux de Colan donneraient au livre son propre caractère unique, et le dialogue explosif de Wolfman – Dracula appelle les gens «poltroons sans cervelle» si souvent que même le docteur Doom pense qu'il devrait se détendre – lui ferait plaisir à lire.

ROM de Bill Mantlo
  
    
    
      
        
    
  
  
    
      
      
        Image: Marvel Comics
      
    
  
ROM Spaceknight # 1-75, décembre 1979 – février 1986
Collaborateurs notables: Sal Buscema, Steve Ditko
L'importance des bandes dessinées sous licence dans l'histoire de Marvel ne peut pas vraiment être surestimée. L'obtention de la licence Star Wars a pratiquement sauvé l'entreprise pendant les années difficiles de la fin des années 70. Dans les années 80, cependant, il y avait un titre cohérent et engageant qui était bien plus divertissant et sophistiqué qu'il n'avait le droit d'être, pour une bande dessinée basée sur un jouet pour bébé. Et cette bande dessinée… était le G.I. de Larry Hama Joe.
Oh, il y avait aussi ROM, dans lequel Bill Mantlo, Sal Buscema et Steve Ditko ont réussi à prendre une ligne de jouets avec exactement un jouet, un robot encombrant avec des yeux brillants et de grosses mains de mitaines en métal, et de le tourner en sept ans de la mythologie spatiale Marvel. Le fait qu'il n'y avait pas vraiment grand-chose au ROM pour commencer – les publicités réelles pour le jouet avaient des suggestions sur ce que les enfants pouvaient prétendre qu'il pouvait faire – a donné à Mantlo la liberté de le faire glisser directement dans l'univers Marvel, ce qui est exactement ce que Il a fait. L'histoire et les aventures du personnage ont été tissées à travers tout, des livres X-Men à Shang Chi, comme s'il avait été créé pour les bandes dessinées, parce que tout ce qui le concernait l'était essentiellement.
Cela a conduit à de grandes choses. L'apogée des 25 premiers numéros, dans lesquels ROM arme l'univers Marvel lui-même en conduisant Galactus au domicile de ses ennemis, est grande. Il a même eu Rick Jones comme compagnon pendant un certain temps, ce qui est la chose la plus Marvel Comics que vous puissiez faire.
Malheureusement, en dépit d'être lié à tant de choses dans les années 80, ROM ne peut pas être réimprimé (ou même mentionné de nos jours), parce que Marvel n'a plus les droits sur le personnage, et même ses apparitions dans des livres comme Power Man & Iron Fist n'est pas reproduit. Ces droits, détenus par Hasbro, sont actuellement révoqués chez IDW, où ils se trouvent dans la position approximative de n’avoir que les droits sur ROM, et non sur les éléments créés à ses côtés. Pourtant, il existe un certain type de magie pour dénicher ces problèmes de dos et jeter un œil au côté plus étrange de Marvel des années 80.
La carrière de Mantlo a été tragiquement interrompue lorsqu'il a été victime d'un accident avec délit de fuite en 1992 qui l'a laissé avec des lésions cérébrales permanentes et a besoin de soins. Il existe des moyens de l'aider financièrement, lui et sa famille, mais si vous voulez voir à quel point il était doué pour faire tourner des histoires à partir de presque rien, vous pourriez faire bien pire que de vérifier ce qu'il a fait avec ROM.
Les Avengers de Roger Stern
  
    
    
      
        
    
  
  
    
      
      
        Image: John Buscema, Tom Palmer / Marvel Comics
      
    
  
Avengers # 227-287, janvier 1983 – janvier 1988
Collaborateurs notables: Sal Buscema, John Buscema, Al Milgrom
Il est difficile d'imaginer après 10 ans de films à leur sujet, mais ce n'est que relativement récemment que les Avengers ont en fait été un gros problème. Ils sont là depuis le début, bien sûr, mais ils n'ont jamais été au centre de l'univers comme les Fantastic Four, les X-Men et Spider-Man. Pendant les 40 premières années de leur existence, le livre aurait tout aussi bien pu s'appeler Captain America and His Amazing Friends.
C'est peut-être une exagération, mais entre Stan Lee et Jack Kirby dans les années 60 et Kurt Busiek et George Perez dans les années 90, il y a beaucoup d'espace vide où je suis sûr que les choses se sont passées mais je ne peux pas vraiment vous dire quoi ils étaient. Et il y a aussi la piste Roger Stern.
Stern est probablement mieux connu pour avoir écrit une histoire parfaite de Spider-Man, "Rien ne peut arrêter le Juggernaut", en 1982, mais la pièce maîtresse de sa course de cinq ans sur Avengers est sans doute tout aussi bonne. Il s’appelle «Under Siege», s’étalant du n ° 270 au 277 avec l’art de John Buscema, et il repose sur la simple prémisse que les Avengers sont piégés dans leur propre quartier général par les Masters of Evil. C'est le joyau de la course, mais c'est loin d'être la seule bonne chose qu'il ait faite aux côtés
Tom DeFalco, Ron Frenz et Spider-Girl de Pat Oliffe
  
    
    
      
        
    
  
  
    
      
      
        Image: Ron Frenz, Sal Buscema / Marvel Comics
      
    
  
Spider-Girl # 1- 100, octobre 1998 – septembre 2006
Spider-Girl était une bande dessinée qui était environ deux mois après avoir été annulée, chaque mois, pendant environ dix ans. Elle est remarquable pour de nombreuses autres raisons, notamment être la série la plus longue avec une femme dans le rôle principal que Marvel ait jamais publiée, mais la regarder dans son contexte contemporain est carrément fascinant.
Il a été lancé en 1998, lorsque Marvel revenait de la faillite en jetant toutes les idées folles qu'ils pouvaient trouver. Par exemple, lancer une empreinte entière basée sur la fille de Spider-Man d'un futur alternatif qui était apparu dans un (1) numéro de What If que quelqu'un de Wizard aimait vraiment. Le résultat a été Spider-Girl, une bande dessinée qui a fait ses débuts juste à temps pour l'essor du fandom de la bande dessinée sur Internet, et qui était perpétuellement équilibrée entre les ventes faibles et un public incroyablement vocal qui a réussi à le faire continuer à chaque fois qu'il commençait à tourner. jusqu'à l'annulation.
Cela a duré assez longtemps pour que Marvel modifie toute sa stratégie d'édition, se rendant compte qu'ils pourraient pénétrer dans les librairies et toucher un nouveau public s'ils se donnaient la peine de mettre autre chose que Secret Wars et The Dark Phoenix Saga dans un livre de poche, surtout si ce livre avait une continuité autonome. Je soupçonne que s'ils n'avaient pas Spider-Girl comme prototype, Marvel n'aurait peut-être pas sorti Ultimate Spider-Man deux ans plus tard – trouvant un autre hit de longue durée et de continuité avec de nouveaux lecteurs.
Oh, il y a aussi eu beaucoup de choses dans le livre lui-même, parce que, vous savez, il y a une centaine de numéros et DeFalco, Frenz et Oliffe repoussaient activement une tendance de narration de super-héros qui favorisait le ralentissement des histoires pour donner au drame une certaine chambre pour respirer. Ultimate Spider-Man est probablement l'exemple parfait, étendant l'origine originale de onze pages de Spidey en six numéros complets. Spider-Girl # 1, quant à elle, a un récapitulatif de l'origine de May Parker, un récapitulatif de l'origine de Peter Parker, deux changements de costumes, une conspiration impliquant un camée inquiétant de la cheville ouvrière et un match de basket-ball où May plonge littéralement sur ses camarades de classe, et a encore de la place pour deux scènes de combat.
Cela devient plus impressionnant lorsque vous vérifiez les crédits: DeFalco, Frenze et Oliffe ont été impliqués dans tous les 100 problèmes de Spider-Girl sauf un. Après la fin de Spider-Girl, ils sont revenus deux mois plus tard pour 31 autres numéros en tant que Amazing Spider-Girl. Puis ils sont revenus après cela pour dix autres numéros en tant que Spectacular Spider-Girl, puis quatre autres en tant que Spectacular Spider-Girl Vol. 2, puis, enfin, un one-shot qui a tout emballé.
Tout compte fait, c'est 149 problèmes dont, étonnamment, très peu de gens semblent parler ou reconnaître pour la course imposante qu'il s'agit. Là encore, étant donné l'histoire du livre qui a provoqué des réactions extrêmes, nous sommes peut-être dans une situation de Candyman. Nous avons tous peur que si nous disons Spider-Girl trois fois, Tom DeFalco va se présenter et commencer à vous expliquer pourquoi Thunderstrike était également un joyau sous-estimé.

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